El taller intenta explorar las posibilidades de la unión entre la danza, la experimentación
audiovisual y los nuevos códigos y medios hegemónicos, con la intención de democratizar el conocimiento
de sus herramientas y dar lugar así a nuevas voces, voces propias.

Artista: Alex Pachón

El taller intenta explorar las posibilidades de la unión entre la danza, la experimentación
audiovisual y los nuevos códigos y medios hegemónicos, con la intención de democratizar el conocimiento
de sus herramientas y dar lugar así a nuevas voces, voces propias.

Artista: Alex Pachón

El taller intenta explorar las posibilidades de la unión entre la danza, la experimentación
audiovisual y los nuevos códigos y medios hegemónicos, con la intención de democratizar el conocimiento
de sus herramientas y dar lugar así a nuevas voces, voces propias.

Artista: Alex Pachón

El taller intenta explorar las posibilidades de la unión entre la danza, la experimentación
audiovisual y los nuevos códigos y medios hegemónicos, con la intención de democratizar el conocimiento
de sus herramientas y dar lugar así a nuevas voces, voces propias.

Artista: Alex Pachón

El taller se inicia con un calentamiento que estimula y pone en consciencia algunos de los sistemas del cuerpo (muscular, esquelético, tegumentario). A partir de ahí, se les guía a las/los estudiantes a que agudicen su atención y percepción sobre lo que sienten, piensan y hacen para que como resultado de esto aparezca una imagen (acción, movimiento, palabra, dibujo) que los represente. Esa imagen es luego afectada al entrar en contacto con el resto del grupo. Las relaciones que se crean, el “contagio” y las devoluciones del resto se convierten en nuevas influencias que van moldeando y construyendo un pequeño perfil (coreografía) que describe a cada uno/una sabiendo que esto que los define hoy es algo en movimiento, que la identidad es permeable, no estática.

Dictado por Pachi Valle Riestra (PUCP)

Aforo: 20 personas

¿Cuál sería la poética, geometría y dramaturgia que puede manifestarse al indagar por la belleza colombiana, en el marco de su realidad histórica, su tiempo, su gente y su geografía? ¿Cómo reconocer y abstraer desde nuestro contexto, la exactitud y perfección de nuestra manifestación? ¿Qué relación tenemos con el sentido estético de nuestra identidad? “De lo bello”, atiende a estas preguntas, aceptando y afirmando que somos resultado de una realidad y al mismo tiempo creando realidad; sin clasificar, ni ordenar, ni proponer una estética que se jerarquice sobre nada, ni nadie.

Artista: Corporación Dosson Arte en Movimiento

Esta pieza recrea los tiempos contemporáneos con la automatización del ser humano. La velocidad con la que vivimos, nos mantiene como máquinas, nuestra vida gira en torno al trabajo y los tiempos del disfrute, el baile, el gozo, y el deleite cada vez es menor.

Artista: Seminario Cuerpo y Escena - Factoría Tino Fernández

Es una obra de danza interdisciplinar que indaga sobre el renacimiento desde una perspectiva de género y presenta el vuelo como una metáfora de realización personal que conlleva un viaje de conocimiento, creatividad y valentía. Esta obra propone a través de la coreografía, la deconstrucción semiótica de las obras de Leonardo Da Vinci, en especial El Vitruvio, reconfigurando la imagen masculina de proporciones “ideales”, para presentar en su lugar a una mujer en una construcción escénica que viaja a través de componentes interdisciplinares como la coreografía, el drama del ser creador, el video mapping y objetos escenográficos en su mayoría basados en escritos e ideas propias de Da Vinci.

Artista: La Multiverse

Este es un espectáculo escénico que se origina luego de una ardua investigación sobre la música llanera (joropo) y su danza, desde una perspectiva escénica teatral. Como antecedente, "Concierto en 6/4 para Zapateo", es el punto de la partida para esta nueva propuesta: "Concierto en Cuerdas para Zapateo", obra que pretende seguir profundizando en la escenificación del joropo como posibilidad narrativa y dramatúrgica.

Artista: D' Raza

Velú está enfocada en el cuerpo y el movimiento, tanto el de los personajes, como el de las niñas y los niños de la primera infancia. Sin una narrativa lineal, es en realidad una sucesión de piezas escénicas y anecdóticas en las cuales tres personajes plantean un universo de juego y narrativas no convencionales, pero incluso cotidianas para la primera infancia donde exploran diferentes situaciones y posibilidades corporales. A partir de allí, se construyen poéticas y juegos desde lo sonoro, la imagen, el encuentro de los cuerpos y el diálogo no verbal con las niñas y los niños desde sucesos naturales en su crecimiento.

Artista: Agrupación Ciclorama - Estrategia de circulación de obras artísticas para la primera infancia Programa Nidos
(Instituto Distrital de las Artes - Idartes)

Velú está enfocada en el cuerpo y el movimiento, tanto el de los personajes como el de las niñas y los niños de la primera infancia. Sin una narrativa lineal, es en realidad una sucesión de piezas escénicas y anecdóticas en las cuales  tres personajes plantean un universo de juego y narrativas no convencionales, pero incluso cotidianas para la primera infancia, donde exploran diferentes situaciones y posibilidades corporales. A partir de allí, se construyen poéticas y juegos desde lo sonoro, la imagen, el encuentro de los cuerpos y el diálogo no verbal con las niñas y los niños desde sucesos naturales en su crecimiento.

Artista: Agrupación Ciclorama - Estrategia de circulación de obras artísticas para la primera infancia Programa Nidos
(Instituto Distrital de las Artes - Idartes)

Publicación: Memorias de un cuerpo plural de Rodrigo Estrada.

"El cuchicheo". Danza Común ha estado presente en la escena de la ciudad y del país durante las últimas 3 décadas. Parte
de la memoria de este proyecto ha sido narrada recientemente, gracias a una Beca de cartografía en danza
del Instituto Distrital de las Artes - Idartes. En esta ocasión, Danza Común estará presentando el libro que surgió de
dicha beca, ofreciendo además las voces, los cuerpos y el movimiento de quienes construyeron esta historia
de 30 años.

H2O es un viaje hídrico a través del encuentro y los recuerdos de David, Haike y Zamir, quienes como personajes de sí mismos, encontrarán en el agua el entorno, el lugar, el ritmo y el vehículo para transitar entre sus sombras, sus glorias y sus relatos íntimos. En contrapesos en el aire o con la silla de ruedas, los tres en acción en equilibrio, colgados o rodando, crean los enlaces, la complicidad y la escucha que envuelven sin parada en un recorrido poético de circo, danza y más.

Artista: Compañía Cacatúa

La soledad es un evento natural y el olvido es su cómplice.

En esta casa poéticamente construida, sucederá todo. Una pieza inspirada en los cuentos cortos de Agatha Christie, narrada desde la fisicalidad de los intérpretes e inspirada en el surrealismo del encierro. Esta obra es un viaje entre la ficción y la realidad, entre la soledad y el OLVIDO. En una casa de cristal, donde todo se ve, donde todo parece tan frágil, pues podría quebrarse en cualquier momento, ellos se buscan, se recuerdan, se dejan mensajes constantes que no están seguros si el otro escuchará. Se ahogan. Un demente juego de apariciones y desapariciones se apoderará de todo. Terroríficamente los vemos alejarse, se vuelven fantasma para el otro. En esta casa, que es metáfora y laberinto, una pareja se debate entre un pasado que parece lejano y un futuro que se presenta incierto.

Artista: Jimmy Rangel

Latencia es una obra de danza contemporánea que surgió durante la pandemia. Recoge algunos de los estados que vivimos durante esta etapa de aislamiento como son la ansiedad, el miedo, la incertidumbre. Pone en evidencia la necesidad del contacto para aquietar estos males. Latencia propone al movimiento como principal medio comunicativo y se le da un tratamiento a modo de “paisajes” o “melodías” cinestésicas. Para ello toma como punto de partida dos sensaciones corporales opuestas: ansiedad y calma; así también, dos tipos de relaciones espaciales: aislamiento y acompañamiento. En función a estos cuatro ejes se generan cuadros cuya base son movimientos, imágenes y sobre todo sensaciones energéticas y corporales que pueden ser pertinentes con estos estados emotivos.

Artista: Compañía de danza PUCP (Pontificia Universidad Católica del Perú)

Es una invitación a vibrar con la diversidad de la danza que habita Bogotá. La emblemática Carrera Séptima, o Paseo Real, será el escenario en el que mas de 300 bailarines compartirán sus propuestas evidenciando que la danza, el movimiento y el baile habitan la vida y cotidianidad, además de mostrar que la riqueza cultural reside en la diversidad.

Con la puesta en escena del escenario móvil de Idartes, el festival se toma plazas, parques, plazoletas y demás espacios de la ciudad, para desarrollar funciones de programación diurnas, en las que la diversidad de lenguajes y propuestas son las protagonistas.

Este fragmento coreográfico conmemora lo sagrado y lo profano, conduciendo al espectador a un viaje de vínculos y ceremonias, representando conexiones humanas, espirituales o históricas que trascienden de lo terrenal a la divinidad.

Artista: Jose Javier Seijas Sánchez

Aquellos que creen que la frase del abrazo ancestral, que la vicepresidenta Francia Márquez dedicó a quien pretendió agredirla en su momento, es el encabezado perfecto para el performance de sus vidas, probablemente concordarán con la vicepresidenta, en su creencia de que el abrazo es el sostén y entrega de un cuerpo o una parte del mismo, es permitirse soltar y agarrar para cuidar y sostener, un abrazo es conciencia de la otredad, se abraza de muchas maneras, es un espacio perfecto aun cuando dure no más de un segundo. Esto, le da paso a la ancestralidad, les respetades Babalawos y Loas, quienes otorgan guía, oportunidad de Uranba y Ubuntu, para comprenderse y salvarse entre todes. Esta es la propuesta con la cual elles extienden su voz, con intenciones de acompañamiento, cuidado y caricia a todes sus hermanes afro, que al igual que elles, se encuentran inmersos en los señalamientos e irrespetos inhumanos de la sociedad desbalanceada, aquella que les oprime por sus estructuras de limitaciones y paradigmas, de odio racial sistematizado. En el mundo social que nos rige, la puesta en escena del performance, Abrazo ancestral, es la forma de plasmar, interpretar y protestar de les cuerpos que la conforman, haciendo de este encuentro una metáfora y de su diálogo, una poesía.

Creadorxs: 

Leonyx Davida (Edwin David Palacios Lara)

Yilmer Yulián Mosquera Murillo (YulªN)

AfroNtando

El show de Breaking, Resistencia Universal, emerge de una reflexión sobre la creación artística, generada a partir de diversas y complejas relaciones que involucran el contexto social y político vivenciado los últimos cincuenta años de la historia colombiana. La propuesta dancística logra recoger la esencia del Breaking con intervenciones de varias coreografías y con los movimientos fuertes de vibración y de gran complejidad como saltos, giros y desplazamientos de alto nivel. De esta manera se lleva al escenario una estética de valioso nivel técnico y de proyección artística desarrollado en función grupal.

Artista: Universal Crew

Parábola originaria de la India, que ha sido utilizada para ilustrar la incapacidad del hombre para conocer la totalidad de la realidad. Ha penetrado en diversas tradiciones religiosas y hace parte del acervo jainista, budista, sufi e hindú. El relato es muy conocido en Europa y América. En el siglo XIX el poeta John Godfrey Saxe creó su propia versión con forma de poema. Desde entonces, el relato ha sido publicado en numerosos libros para adultos y niños, recibiendo numerosas interpretaciones.

Proyecto de 7 piezas independientes de danza contemporánea: “ÁRBOLES”, “CUERDA”, “PARED”, “LANZA”, “ABANICOS”, “SERPIENTES” e “INDOSTÁN”, basadas en las 7 partes del elefante del poema: “Los ciegos y el elefante” de John Godfrey Saxe.

Artista: Creato Danza

Conversatorio moderado por la gerente de Danza de Idartes, María Paula Atuesta, en el que Haike I. Stollbrok y Sara Regina Fonseca exponen sus proceso de investigación y reflexionan alrededor del oficio de pensar el movimiento.

Investigación Haike I. Stollbrok:
Hablemos de ejes: anatomía, imaginación y sensación. ¿Qué estructura anatómica es el eje en danza? ¿Por dónde pasa? ¿Es uno o son varios? Diálogo que recoge las experiencias de la tallerista, los y las participantes del taller Experiencias de Eje-s: exploración somática de los sistemas que nos organizan en el eje longitudinal.

Investigación Sara R. Fonseca:
Refracciones. Ensayos sobre Katy Chamorro, la bailarina.

Conversatorio en el marco del lanzamiento de publicaciones de Danza de Idartes moderado por Jenny Bedoya de la Gerencia de Danza, donde las investigadoras exponen sus procesos de investigación y reflexionan alrededor del oficio de pensar el movimiento.

Investigación Andrea Ramírez Rojas: El baile nos une
Investigación Andrea C. Rodríguez: Metodologías de investigación - Creación basada en experiencias sensible


 

La intersección y posibles diálogos entre el audiovisual y la danza han encontrado una alta resonancia en la escena creadora de la ciudad, prueba de ello es la notable cantidad de proyectos que año a año se suman a la programación del festival. Este año además invitamos a dos festivales para desarrollar retrospectivas de trabajos colombianos e iberoamericanos.

Artista: Festival Videomovimiento

La compañía CORTOCINESIS (danza y teatro físico) propone una versión escénica de la famosa pieza de Camille Saint Säens, “Le Carnaval des Animaux” (1886). Gracias a la interpretación musical de la Orquesta Sinfónica de la Javeriana y la propuesta estilística de CORTOCINESIS, “El Carnaval de los Animales” cobra existencia a través de más de 20 artistas en escena, que recrean de manera lúdica y a veces absurda, los 13 fragmentos de esta maravillosa suite musical. Pero no solo ello, además nos cuentan interesantes datos históricos de la vida del compositor y de la influencia de su música hasta nuestros días. La compañía CORTOCINESIS cumple este 2023, 20 años de existencia y que mejor festejo que celebrarlo a través de “El Carnaval de los Animales”.
 

La intersección y posibles diálogos entre el audiovisual y la danza han encontrado una alta resonancia en la escena creadora de la ciudad, prueba de ello es la notable cantidad de proyectos que año a año se suman a la programación del festival. Este año además invitamos a dos festivales para desarrollar retrospectivas de trabajos colombianos e iberoamericanos.

Artista: Proyectos ganadores Invitación pública Festival Danza en la Ciudad 2023.

Esta obra hace una invocación a la vida, un ritual de agradecimiento a todo eso que nos hace posible como cuerpos y energía. Humanos experimentando el propio caos, transformando el presente, aquí y ahora, sabiendo que todo lo que se mueve va a desaparecer. Un ritual para la vida y para aceptar la muerte, para soltar lo que creemos que somos y encontrarnos con ese que siente y vive desde la carne misma que no se cuestiona.

El fantasma de cada cual, el reflejo en el espejo al que no quiero mirar, al que no reconozco.

¿Soy lo que creo que soy? ¿Mi rostro me refleja? ¿Qué soy? ¿Qué somos? ¿Alguien me puede decir quién o qué soy? ¿Y qué son ustedes? Me puedo poner mil capas y mil máscaras, las que pueda y quiera; puedo darle a mi carne lo que desee, puedo morir en el intento de vivir plenamente o como me venga en gana. Es la decisión de la vida, es todo tan efímero, pero tan osadamente repetitivo que por eso elijo la muerte constante, para vivir varias vidas en una.

Artista: Jennyfer Caro - Plataforma Orbitante (Idartes)
 

Nacido de la investigación teórico-práctica sobre la percepción háptica y la estimulación del
nervio vago. Este encuentro/taller de escritura corporal y movimiento propone explorar la
conexión entre el cuerpo y el sentir profundo al acceder y revelar ciertas memorias inscritas en
la piel y en el cuerpo.

Artista: Eduardo Ruiz V.

Conversan Raúl Parra García y Ana Ávila con la moderación de Alejandro Penagos alrededor del ejercicio de investigar y escribir sobre el movimiento y el cuerpo.

Investigación Raul Parra G.: Ficción dorada: danza, folclorización e identidad

Investigación Ana Ávila: Discursos danzantes: sobre el ballet folclórico y los relatos de las identidades nacionales.

La intersección y posibles diálogos entre el audiovisual y la danza han encontrado una alta resonancia en la escena creadora de la ciudad, prueba de ello es la notable cantidad de proyectos que año a año se suman a la programación del festival. Este año además invitamos a dos festivales para desarrollar retrospectivas de trabajos colombianos e iberoamericanos.

Artista: International Dance Film Festival

Se interesa en definir legados y recuerdos que se mantienen en el cuerpo. Explora la dicotomía entre la manipulación externa provocada por la historia y la esencia real de cada uno. ¿Cómo es capaz este cuerpo de transformarse para experimentar, tanto la alegría como la libertad?

Artista: Yesenia Fuentes

Ninguna idea es mía ahonda sobre el conflicto que es ser artista cuando se está inmersa en la academia; saber que nada de lo que se hace es tan original y convertir esa certeza en potencia. Con un carácter íntimo este solo se apropia de referentes de la danza locales e internacionales, transitando a través de vivencias en el salón de clase, la sala de ensayo y la escena. Ninguna idea es mía oscila entre la coreografía y el discurso; lo virtuoso, lo cotidiano y la relación con el público en tiempo real.

Artista: Margarita Roa

La intersección y posibles diálogos entre el audiovisual y la danza han encontrado una alta resonancia en la escena creadora de la ciudad, prueba de ello es la notable cantidad de proyectos que año a año se suman a la programación del festival. Este año además invitamos a dos festivales para desarrollar retrospectivas de trabajos colombianos e iberoamericanos.

Artista: Proyectos ganadores Invitación pública Festival Danza en la Ciudad 2023.

Archivo Vivo 2023, Desafiando el Vacío: con la asesoría de los maestros Lázaro Benitez y Astergio Pinto, este ejercicio escénico propone a los maestros de Archivo Vivo indagar en la memoria, volver al cuerpo, evocando sus pasos y los procesos que han atravesado. Charlar y reflexionar acerca de los recuerdos, no solo permite develar la fragilidad de la memoria, también confronta con lo efímero de la labor artística y pedagógica pues, casi no nos damos cuenta de en qué momento se asume un relevo generacional. A través de varios laboratorios creativos se desarrolló con este grupo de maestros de Archivo Vivo, un espacio de intercambio para la creación de un ejercicio escénico, que incorpora formas de reflexionar el tejido diverso de la danza, transitado por sus experiencias con el cuerpo y el movimiento y de las cuales la ciudad de Bogotá ha sido testigo.
 

Theatrical Breakin’ Workshop o Taller de Breakin Escénico se basa en una década de investigación del movimiento como por ejemplo la hibridación entre el Breaking y la Danza Contemporánea gracias a sus coreógrafos y colaboradoras. La compañía lleva muchos años impartiendo talleres en el extranjero y dando clases puntuales por varios centros e instituciones a nivel nacional e internacional.

En este taller se muestra la evolución técnica del lenguaje de la compañía. Para ello trabajaremos en los aspectos fundamentales en los que se apoya la estructura de la compañía para encontrar su identidad y desarrollaremos herramientas que nos ayuden a entender la difuminación de las fronteras territoriales donde transita la compañía. De esta manera nos situaremos en un espacio de encuentro entre las danzas urbanas, la danza contemporánea, el Butoh y las artes marciales. Así, esta ubicación nos facilitará el lugar para abordar nuestra práctica en aspectos como: la disociación y coordinación, el trabajo de suelo y la acrobacia. 

Artista: Iron Skulls
 

La voz del cuerpo es un espacio pensado para escuchar, sentir el cuerpo,
despojarse de tensiones y explorar las infinitas posibilidades que ofrece el
movimiento.

En un primer momento se comparte un estiramiento donde se abordarán los
conceptos de respiración, elongación y movilidad articular. En un segundo
momento, se explorarán los impulsos de movimiento, la vibración, el pulso, los
acentos y la memoria corporal; se pretende que cada cuerpo aborde el
entrenamiento desde sus propias posibilidades y busque responder a
interrogantes que le genere su propio movimiento en el espacio y en su
relación con los otros.

Se invita al participante a abrir sus sentidos y profundizar en la escucha.

Artista: María Sonia Casadiego

Eduardo Ruiz, Gabriel Vignola y Vladimir Rodríguez son 3 creadores escénicos. Cada uno con una particular relación con la migración en contextos francófonos en el marco de la franja Volver del festival propone este dialogo para reconocer sus experiencias.

Este evento contará con interpretación simultánea francés <> español. Queremos agradecer a nuestro aliado Lingua Viva, empresa colombiana de traducción, subtitulado e interpretación especializada en el sector audiovisual y cultural, quien este año nos apoya con el servicio de interpretación para esta charla.

Latidos circundantes es un trabajo estrenado en junio del año 2022. Esta creación habla de la ciudad, del parque más antiguo y emblemático de la ciudad, el parque Centenario, habla de las percepciones y sentires de los bailarines al habitar este lugar del mundo. Se interesan por la poética del movimiento a partir de la observación y escucha del entorno, el lugar como escenario e inspiración; cómo los cuerpos habitan, sienten y escuchan desde su diversidad y cómo estos espacios de ciudad nos dan la posibilidad de reflexionar y preguntarnos. Cuerpos que pertenecen a un lugar que habla de sí mismos, cuerpos que se arman o se desarman, se reconstruyen o desdibujan en el tiempo.

Artistas Laboratorio Experimental EMA (Bucaramanga)

En la intersección del movimiento, la expresión corporal y la identidad cultural, la danza se convierte en una profunda encarnación de la experiencia humana. A través de intrincadas coreografías y gestos fluidos, el cuerpo, desde el gesto más delicado hasta el más enérgico, se vuelve el medio de expresión de historias, emociones y manifestaciones culturales llenas de belleza y vida. La danza, un lenguaje propio, trasciende las fronteras lingüísticas y transmite narraciones que las palabras a menudo tienen dificultades para encapsular. Tiende puentes entre generaciones, preservando y transmitiendo tradiciones a lo largo del tiempo que se mantienen intactas, se reinterpretan o se funden entre sí.

Mediadora: María Clara Rodríguez

Basada en la historia de amor de William Shakespeare, nace esta adaptación en ballet contemporáneo por el maestro y coreógrafo Jaime Otálora puesta en escena en el contexto de la Segunda Guerra Mundial. Romeo por su parte, hijo de alemanes, fue ordenado a enlistarse como uno de los soldados a cargo de los campos de concentración que tejía la SS. Julieta, judía, es llevada a uno de estos lugares, allí es sometida a largas horas de trabajo, torturas y abusos. Imposible de predecir, Romeo y Julieta se encuentran en el mismo lugar, ella apresada y él como su verdugo.

Artistas: B.C.D Dance Company

Carmina Burana es una de las obras más conocidas del repertorio lírico. Compuesta en la década de 1930 por el compositor alemán Carl Orff, esta cantata basada en poemas medievales se ha popularizado gracias a su potente y dramático sonido. Esta exitosa producción del Teatro Mayor, estrenada en 2013 y presentada de nuevo en 2014 y 2018, será interpretada por la Orquesta Filarmónica de Bogotá bajo la dirección de Joachim Gustafsonn, el Coro Filarmónico Juvenil y la compañía de danza L’Explose. Cuenta con la dirección escénica de Tino Fernández † y Juliana Reyes.

¿Cómo circundan?... medio físico, tridimensional e ilimitado en que se sitúan los cuerpos y los movimientos… circundar para llegar…

Artistas: Incolballet (Cali)

Mediante una serie de ejercicios crear la capacidad del individuo para intervenir en el ambiente circundante adaptándose o adaptándolo. A través de la postura, los gestos, la mirada y movimiento crear un grupo consolidado con una escucha del cuerpo adecuada para el trabajo coreográfico.

Artistas: Incolballet (Cali)

Es una manera poética de propiciar e impulsar acciones desde un contexto de violencia y pérdida para
contribuir a la lucha simbólica por la vida y la justicia social en Colombia: volver a poner el dolor en el espacio público. Es una forma simbólica de generar un acompañamiento a las familias de las y los desaparecidos. Brindar desde el arte una sepultura digna a esos cuerpos sin duelo. Por ello, convocamos a diferentes testigos que han atravesado esta realidad para que hagan parte de esta acción, acompañándolos desde el arte y la performance en esta búsqueda.

Artistas: Lázaro Benítez y Virgelina Chará

En la intersección del movimiento, la expresión corporal y la identidad cultural, la danza se convierte en una profunda encarnación de la experiencia humana. A través de intrincadas coreografías y gestos fluidos, el cuerpo, desde el gesto más delicado hasta el más enérgico, se vuelve el medio de expresión de historias, emociones y manifestaciones culturales llenas de belleza y vida. La danza, un lenguaje propio, trasciende las fronteras lingüísticas y transmite narraciones que las palabras a menudo tienen dificultades para encapsular. Tiende puentes entre generaciones, preservando y transmitiendo tradiciones a lo largo del tiempo que se mantienen intactas, se reinterpretan o se funden entre sí.

Mediadora: María Clara Rodríguez

Iron Modvm fue el motivo para celebrar su aniversario como grupo de breaking (breakdance) y actualmente como colectivo de danza. Se ha convertido en una representación a modo ‘cabaret’, donde proponen una experiencia tan diversa, como sus integrantes, basada en las influencias pasadas y presentes del colectivo. El evento se divide en dos funciones paralelas que siguen la misma estructura. Por un lado, una parte, con una muestra de piezas o espectáculos de cosecha propia (Sinestesia, No sin mis huesos, Kintsugi,...), que reflejan el trabajo de la compañía durante su emergente viaje en el mundo de las artes escénicas. Por otro, batallas experimentales con artistas invitados locales de la escena del movimiento urbano, contemporáneo, circo, entre otros, todo ello al compás de la música de un dj de renombre y mostrado con la voz de un presentador con gran experiencia en festivales.

Artistas locales invitados: Ana Maria Benavides, Marcela Hormaza, Nicol Munebar, Andrea Riveros "La wera", Johan Sebastian Vargas AKA Hermith, Ricky Sebastián Ordoñez Castillo, Mery “wiwa” Palacios, Fredy “Bboycat” Moscoso.

Es un trabajo orientado hacia la línea denominada danza documental, ya que los elementos que la configuran provienen de registros visuales y sonoros que recogen un ver y sentir desde el territorio afro/indígena (Urabá) y los hechos (políticos, históricos) que lo constituyen, sumado a códigos corporales que exponen un texto físico (universo vocabular), donde memoria oral, mundo sensible, y del conocimiento, condensan una estética del despojo con la capacidad de resignificarse sobre errancias de la subjetividad individual y comunitaria (testimonios epistemológicos). Desde este orden, se componen otros marcos lógicos de creación y una nueva estela de significados. La construcción tiene un carácter polifónico en su estructura que se ordena y organiza en mapas, delineando la cartografía social de una realidad específica en el sentido que los elementos y sus cargas representativas o simbólicas, así como los actores sociales muestran intencional o no, su modo de aparecer en el mundo y su manera de concebir la danza.

*Conversatorio al final de la función con el director en el marco del lanzamiento de la publicación del Ministerio de Cultura: Cartografía de lugar, herencia simbólica del cuerpo y la danza.

Carmina Burana es una de las obras más conocidas del repertorio lírico. Compuesta en la década de 1930 por el compositor alemán Carl Orff, esta cantata basada en poemas medievales se ha popularizado gracias a su potente y dramático sonido. Esta exitosa producción del Teatro Mayor, estrenada en 2013 y presentada de nuevo en 2014 y 2018, será interpretada por la Orquesta Filarmónica de Bogotá bajo la dirección de Joachim Gustafsonn, el Coro Filarmónico Juvenil y la compañía de danza L’Explose. Cuenta con la dirección escénica de Tino Fernández † y Juliana Reyes.

La intersección y posibles diálogos entre el audiovisual y la danza han encontrado una alta resonancia en la escena creadora de la ciudad, prueba de ello es la notable cantidad de proyectos que año a año se suman a la programación del festival. 

Conversan: Soraya Vargas y Edward Forero (Ataka colectivo)
Modera: Irina López (Maloka)

Con la puesta en escena del Escenario Móvil de Idartes, el festival se toma plazas, parques, plazoletas y demás espacios de la ciudad para desarrollar funciones de programación diurnas, en las que la diversidad de lenguajes y propuestas son las protagonistas.

Carmina Burana es una de las obras más conocidas del repertorio lírico. Compuesta en la década de 1930 por el compositor alemán Carl Orff, esta cantata basada en poemas medievales se ha popularizado gracias a su potente y dramático sonido. Esta exitosa producción del Teatro Mayor, estrenada en 2013 y presentada de nuevo en 2014 y 2018, será interpretada por la Orquesta Filarmónica de Bogotá bajo la dirección de Joachim Gustafsonn, el Coro Filarmónico Juvenil y la compañía de danza L’Explose. Cuenta con la dirección escénica de Tino Fernández † y Juliana Reyes.

Salvaje es preguntar qué habita en mí. La pandemia exigió indagar en el arte de la escucha el peligro y, al mismo tiempo, a buscarnos y reinventarnos volviendo a principios originarios ancestrales que nos exigió el arte del viaje renovador que reflexiona en lo más profundo del ser humano para comprender el cuerpo y el ser en su totalidad. 

Artista: Diana Casas

Performance creado a partir de una reflexión sobre la vibración y su relación con los sentidos. El solo es un viaje sensorial donde la repetición física en relación con el sonido y la iluminación elaboran contrastes inesperados. La inspiración del solo son una serie de preguntas que abordan la manera de sentir y la capacidad de producir emociones. Entre el gusto de un chocolate caliente, la resonancia sonoro-espacial y el golpeteo de los platos y tazas de porcelana finamente decoradas, el cuerpo, centro de la experiencia, se ve inmerso en un movimiento vibratorio de intensificación permanente. Percutiendo el movimiento, la obra es una adición constante de elementos sensoriales y de gestos físicos que crean una relación empática y sugestiva. Existir, regenerar, sanar, limpiar, respirar, dar.

Hiperactividad ocular, tensión y relajamiento muscular, pensamientos vacíos, respiración agitada en ritmo eufórico. Cambio vertiginoso de desequilibrios, percepción alterada. El solo propone una reflexión corporal, visual y sonora para perturbar el estado de conciencia.

Artista: Eduardo Ruiz Vergara

Caminos sin reparo es una obra de carácter multidisciplinar e interactivo, donde el cuerpo, el video y el sonido se mezclan para crear una pieza de arte vivo estructurada en formato audiovisual e in situ. Esta obra invita a vivir una experiencia inmersiva en la que se interactúa a través de un dispositivo multimedia (tablet), con el que se vive la ruta dramatúrgica de un video filmado en otro tiempo mientras se transitan las calles en las que se desarrolla la historia. La experiencia fusiona la realidad del pasado y del presente, en la que se reflejan micro relatos de distintos personajes que componen y circulan los barrios La Magdalena y Santa Teresita de la localidad de Teusaquillo. Bailarines, músicos de calle y la vida barrial aparecen en escena. La voz en off de una mujer va guiando el camino. Ella, que vuelve una y otra vez a lo que llama “su raíz”, después de mucho darle vueltas a eso del arraigo, inventa un personaje ficticio para recordarnos cuál es la esencia oculta de las calles en Bogotá y sus caminos sin reparo.

Artista: Colectiva Travesías Calle_jeras

Caminos sin reparo es una obra de carácter multidisciplinar e interactivo, donde el cuerpo, el video y el sonido se mezclan para crear una pieza de arte vivo estructurada en formato audiovisual e in situ. Esta obra invita a vivir una experiencia inmersiva en la que se interactúa a través de un dispositivo multimedia (tablet), con el que se vive la ruta dramatúrgica de un video filmado en otro tiempo mientras se transitan las calles en las que se desarrolla la historia. La experiencia fusiona la realidad del pasado y del presente, en la que se reflejan micro relatos de distintos personajes que componen y circulan los barrios La Magdalena y Santa Teresita de la localidad de Teusaquillo. Bailarines, músicos de calle y la vida barrial aparecen en escena. La voz en off de una mujer va guiando el camino. Ella, que vuelve una y otra vez a lo que llama “su raíz”, después de mucho darle vueltas a eso del arraigo, inventa un personaje ficticio para recordarnos cuál es la esencia oculta de las calles en Bogotá y sus caminos sin reparo.

Artista: Colectiva Travesías Calle_jeras

El silencio puede parecer una pausa en el tiempo, un tiempo de descanso, un tiempo para la respiración antes de continuar. El silencio puede parecer una ausencia de sonido, pero es tan profundo que ensordece y afecta los sentidos, la manera de moverse. Las palabras que no se dicen y los pensamientos que se encierran en la mente, pueden cobrar vida aun en el silencio. El silencio no están silencioso, es el ruido más fuerte, quizás el más fuerte de los ruidos.

Artista: Incolballet (Cali)