¿Cuál sería la poética, geometría y dramaturgia que puede manifestarse al indagar por la belleza colombiana, en el marco de su realidad histórica, su tiempo, su gente y su geografía? ¿Cómo reconocer y abstraer desde nuestro contexto, la exactitud y perfección de nuestra manifestación? ¿Qué relación tenemos con el sentido estético de nuestra identidad? “De lo bello”, atiende a estas preguntas, aceptando y afirmando que somos resultado de una realidad y al mismo tiempo creando realidad; sin clasificar, ni ordenar, ni proponer una estética que se jerarquice sobre nada, ni nadie.

Artista: Corporación Dosson Arte en Movimiento

Esta pieza recrea los tiempos contemporáneos con la automatización del ser humano. La velocidad con la que vivimos, nos mantiene como máquinas, nuestra vida gira en torno al trabajo y los tiempos del disfrute, el baile, el gozo, y el deleite cada vez es menor.

Artista: Seminario Cuerpo y Escena - Factoría Tino Fernández

Es una obra de danza interdisciplinar que indaga sobre el renacimiento desde una perspectiva de género y presenta el vuelo como una metáfora de realización personal que conlleva un viaje de conocimiento, creatividad y valentía. Esta obra propone a través de la coreografía, la deconstrucción semiótica de las obras de Leonardo Da Vinci, en especial El Vitruvio, reconfigurando la imagen masculina de proporciones “ideales”, para presentar en su lugar a una mujer en una construcción escénica que viaja a través de componentes interdisciplinares como la coreografía, el drama del ser creador, el video mapping y objetos escenográficos en su mayoría basados en escritos e ideas propias de Da Vinci.

Artista: La Multiverse

Este es un espectáculo escénico que se origina luego de una ardua investigación sobre la música llanera (joropo) y su danza, desde una perspectiva escénica teatral. Como antecedente, "Concierto en 6/4 para Zapateo", es el punto de la partida para esta nueva propuesta: "Concierto en Cuerdas para Zapateo", obra que pretende seguir profundizando en la escenificación del joropo como posibilidad narrativa y dramatúrgica.

Artista: D' Raza

Velú está enfocada en el cuerpo y el movimiento, tanto el de los personajes, como el de las niñas y los niños de la primera infancia. Sin una narrativa lineal, es en realidad una sucesión de piezas escénicas y anecdóticas en las cuales tres personajes plantean un universo de juego y narrativas no convencionales, pero incluso cotidianas para la primera infancia donde exploran diferentes situaciones y posibilidades corporales. A partir de allí, se construyen poéticas y juegos desde lo sonoro, la imagen, el encuentro de los cuerpos y el diálogo no verbal con las niñas y los niños desde sucesos naturales en su crecimiento.

Artista: Agrupación Ciclorama - Estrategia de circulación de obras artísticas para la primera infancia Programa Nidos
(Instituto Distrital de las Artes - Idartes)

Velú está enfocada en el cuerpo y el movimiento, tanto el de los personajes como el de las niñas y los niños de la primera infancia. Sin una narrativa lineal, es en realidad una sucesión de piezas escénicas y anecdóticas en las cuales  tres personajes plantean un universo de juego y narrativas no convencionales, pero incluso cotidianas para la primera infancia, donde exploran diferentes situaciones y posibilidades corporales. A partir de allí, se construyen poéticas y juegos desde lo sonoro, la imagen, el encuentro de los cuerpos y el diálogo no verbal con las niñas y los niños desde sucesos naturales en su crecimiento.

Artista: Agrupación Ciclorama - Estrategia de circulación de obras artísticas para la primera infancia Programa Nidos
(Instituto Distrital de las Artes - Idartes)

H2O es un viaje hídrico a través del encuentro y los recuerdos de David, Haike y Zamir, quienes como personajes de sí mismos, encontrarán en el agua el entorno, el lugar, el ritmo y el vehículo para transitar entre sus sombras, sus glorias y sus relatos íntimos. En contrapesos en el aire o con la silla de ruedas, los tres en acción en equilibrio, colgados o rodando, crean los enlaces, la complicidad y la escucha que envuelven sin parada en un recorrido poético de circo, danza y más.

Artista: Compañía Cacatúa

La soledad es un evento natural y el olvido es su cómplice.

En esta casa poéticamente construida, sucederá todo. Una pieza inspirada en los cuentos cortos de Agatha Christie, narrada desde la fisicalidad de los intérpretes e inspirada en el surrealismo del encierro. Esta obra es un viaje entre la ficción y la realidad, entre la soledad y el OLVIDO. En una casa de cristal, donde todo se ve, donde todo parece tan frágil, pues podría quebrarse en cualquier momento, ellos se buscan, se recuerdan, se dejan mensajes constantes que no están seguros si el otro escuchará. Se ahogan. Un demente juego de apariciones y desapariciones se apoderará de todo. Terroríficamente los vemos alejarse, se vuelven fantasma para el otro. En esta casa, que es metáfora y laberinto, una pareja se debate entre un pasado que parece lejano y un futuro que se presenta incierto.

Artista: Jimmy Rangel

Latencia es una obra de danza contemporánea que surgió durante la pandemia. Recoge algunos de los estados que vivimos durante esta etapa de aislamiento como son la ansiedad, el miedo, la incertidumbre. Pone en evidencia la necesidad del contacto para aquietar estos males. Latencia propone al movimiento como principal medio comunicativo y se le da un tratamiento a modo de “paisajes” o “melodías” cinestésicas. Para ello toma como punto de partida dos sensaciones corporales opuestas: ansiedad y calma; así también, dos tipos de relaciones espaciales: aislamiento y acompañamiento. En función a estos cuatro ejes se generan cuadros cuya base son movimientos, imágenes y sobre todo sensaciones energéticas y corporales que pueden ser pertinentes con estos estados emotivos.

Artista: Compañía de danza PUCP (Pontificia Universidad Católica del Perú)

Parábola originaria de la India, que ha sido utilizada para ilustrar la incapacidad del hombre para conocer la totalidad de la realidad. Ha penetrado en diversas tradiciones religiosas y hace parte del acervo jainista, budista, sufi e hindú. El relato es muy conocido en Europa y América. En el siglo XIX el poeta John Godfrey Saxe creó su propia versión con forma de poema. Desde entonces, el relato ha sido publicado en numerosos libros para adultos y niños, recibiendo numerosas interpretaciones.

Proyecto de 7 piezas independientes de danza contemporánea: “ÁRBOLES”, “CUERDA”, “PARED”, “LANZA”, “ABANICOS”, “SERPIENTES” e “INDOSTÁN”, basadas en las 7 partes del elefante del poema: “Los ciegos y el elefante” de John Godfrey Saxe.

Artista: Creato Danza

La compañía CORTOCINESIS (danza y teatro físico) propone una versión escénica de la famosa pieza de Camille Saint Säens, “Le Carnaval des Animaux” (1886). Gracias a la interpretación musical de la Orquesta Sinfónica de la Javeriana y la propuesta estilística de CORTOCINESIS, “El Carnaval de los Animales” cobra existencia a través de más de 20 artistas en escena, que recrean de manera lúdica y a veces absurda, los 13 fragmentos de esta maravillosa suite musical. Pero no solo ello, además nos cuentan interesantes datos históricos de la vida del compositor y de la influencia de su música hasta nuestros días. La compañía CORTOCINESIS cumple este 2023, 20 años de existencia y que mejor festejo que celebrarlo a través de “El Carnaval de los Animales”.
 

Esta obra hace una invocación a la vida, un ritual de agradecimiento a todo eso que nos hace posible como cuerpos y energía. Humanos experimentando el propio caos, transformando el presente, aquí y ahora, sabiendo que todo lo que se mueve va a desaparecer. Un ritual para la vida y para aceptar la muerte, para soltar lo que creemos que somos y encontrarnos con ese que siente y vive desde la carne misma que no se cuestiona.

El fantasma de cada cual, el reflejo en el espejo al que no quiero mirar, al que no reconozco.

¿Soy lo que creo que soy? ¿Mi rostro me refleja? ¿Qué soy? ¿Qué somos? ¿Alguien me puede decir quién o qué soy? ¿Y qué son ustedes? Me puedo poner mil capas y mil máscaras, las que pueda y quiera; puedo darle a mi carne lo que desee, puedo morir en el intento de vivir plenamente o como me venga en gana. Es la decisión de la vida, es todo tan efímero, pero tan osadamente repetitivo que por eso elijo la muerte constante, para vivir varias vidas en una.

Artista: Jennyfer Caro - Plataforma Orbitante (Idartes)
 

Ninguna idea es mía ahonda sobre el conflicto que es ser artista cuando se está inmersa en la academia; saber que nada de lo que se hace es tan original y convertir esa certeza en potencia. Con un carácter íntimo este solo se apropia de referentes de la danza locales e internacionales, transitando a través de vivencias en el salón de clase, la sala de ensayo y la escena. Ninguna idea es mía oscila entre la coreografía y el discurso; lo virtuoso, lo cotidiano y la relación con el público en tiempo real.

Artista: Margarita Roa

Archivo Vivo 2023, Desafiando el Vacío: con la asesoría de los maestros Lázaro Benitez y Astergio Pinto, este ejercicio escénico propone a los maestros de Archivo Vivo indagar en la memoria, volver al cuerpo, evocando sus pasos y los procesos que han atravesado. Charlar y reflexionar acerca de los recuerdos, no solo permite develar la fragilidad de la memoria, también confronta con lo efímero de la labor artística y pedagógica pues, casi no nos damos cuenta de en qué momento se asume un relevo generacional. A través de varios laboratorios creativos se desarrolló con este grupo de maestros de Archivo Vivo, un espacio de intercambio para la creación de un ejercicio escénico, que incorpora formas de reflexionar el tejido diverso de la danza, transitado por sus experiencias con el cuerpo y el movimiento y de las cuales la ciudad de Bogotá ha sido testigo.
 

Basada en la historia de amor de William Shakespeare, nace esta adaptación en ballet contemporáneo por el maestro y coreógrafo Jaime Otálora puesta en escena en el contexto de la Segunda Guerra Mundial. Romeo por su parte, hijo de alemanes, fue ordenado a enlistarse como uno de los soldados a cargo de los campos de concentración que tejía la SS. Julieta, judía, es llevada a uno de estos lugares, allí es sometida a largas horas de trabajo, torturas y abusos. Imposible de predecir, Romeo y Julieta se encuentran en el mismo lugar, ella apresada y él como su verdugo.

Artistas: B.C.D Dance Company

Carmina Burana es una de las obras más conocidas del repertorio lírico. Compuesta en la década de 1930 por el compositor alemán Carl Orff, esta cantata basada en poemas medievales se ha popularizado gracias a su potente y dramático sonido. Esta exitosa producción del Teatro Mayor, estrenada en 2013 y presentada de nuevo en 2014 y 2018, será interpretada por la Orquesta Filarmónica de Bogotá bajo la dirección de Joachim Gustafsonn, el Coro Filarmónico Juvenil y la compañía de danza L’Explose. Cuenta con la dirección escénica de Tino Fernández † y Juliana Reyes.

Es una manera poética de propiciar e impulsar acciones desde un contexto de violencia y pérdida para
contribuir a la lucha simbólica por la vida y la justicia social en Colombia: volver a poner el dolor en el espacio público. Es una forma simbólica de generar un acompañamiento a las familias de las y los desaparecidos. Brindar desde el arte una sepultura digna a esos cuerpos sin duelo. Por ello, convocamos a diferentes testigos que han atravesado esta realidad para que hagan parte de esta acción, acompañándolos desde el arte y la performance en esta búsqueda.

Artistas: Lázaro Benítez y Virgelina Chará

Iron Modvm fue el motivo para celebrar su aniversario como grupo de breaking (breakdance) y actualmente como colectivo de danza. Se ha convertido en una representación a modo ‘cabaret’, donde proponen una experiencia tan diversa, como sus integrantes, basada en las influencias pasadas y presentes del colectivo. El evento se divide en dos funciones paralelas que siguen la misma estructura. Por un lado, una parte, con una muestra de piezas o espectáculos de cosecha propia (Sinestesia, No sin mis huesos, Kintsugi,...), que reflejan el trabajo de la compañía durante su emergente viaje en el mundo de las artes escénicas. Por otro, batallas experimentales con artistas invitados locales de la escena del movimiento urbano, contemporáneo, circo, entre otros, todo ello al compás de la música de un dj de renombre y mostrado con la voz de un presentador con gran experiencia en festivales.

Artistas locales invitados: Ana Maria Benavides, Marcela Hormaza, Nicol Munebar, Andrea Riveros "La wera", Johan Sebastian Vargas AKA Hermith, Ricky Sebastián Ordoñez Castillo, Mery “wiwa” Palacios, Fredy “Bboycat” Moscoso.

Es un trabajo orientado hacia la línea denominada danza documental, ya que los elementos que la configuran provienen de registros visuales y sonoros que recogen un ver y sentir desde el territorio afro/indígena (Urabá) y los hechos (políticos, históricos) que lo constituyen, sumado a códigos corporales que exponen un texto físico (universo vocabular), donde memoria oral, mundo sensible, y del conocimiento, condensan una estética del despojo con la capacidad de resignificarse sobre errancias de la subjetividad individual y comunitaria (testimonios epistemológicos). Desde este orden, se componen otros marcos lógicos de creación y una nueva estela de significados. La construcción tiene un carácter polifónico en su estructura que se ordena y organiza en mapas, delineando la cartografía social de una realidad específica en el sentido que los elementos y sus cargas representativas o simbólicas, así como los actores sociales muestran intencional o no, su modo de aparecer en el mundo y su manera de concebir la danza.

*Conversatorio al final de la función con el director en el marco del lanzamiento de la publicación del Ministerio de Cultura: Cartografía de lugar, herencia simbólica del cuerpo y la danza.

Carmina Burana es una de las obras más conocidas del repertorio lírico. Compuesta en la década de 1930 por el compositor alemán Carl Orff, esta cantata basada en poemas medievales se ha popularizado gracias a su potente y dramático sonido. Esta exitosa producción del Teatro Mayor, estrenada en 2013 y presentada de nuevo en 2014 y 2018, será interpretada por la Orquesta Filarmónica de Bogotá bajo la dirección de Joachim Gustafsonn, el Coro Filarmónico Juvenil y la compañía de danza L’Explose. Cuenta con la dirección escénica de Tino Fernández † y Juliana Reyes.

Carmina Burana es una de las obras más conocidas del repertorio lírico. Compuesta en la década de 1930 por el compositor alemán Carl Orff, esta cantata basada en poemas medievales se ha popularizado gracias a su potente y dramático sonido. Esta exitosa producción del Teatro Mayor, estrenada en 2013 y presentada de nuevo en 2014 y 2018, será interpretada por la Orquesta Filarmónica de Bogotá bajo la dirección de Joachim Gustafsonn, el Coro Filarmónico Juvenil y la compañía de danza L’Explose. Cuenta con la dirección escénica de Tino Fernández † y Juliana Reyes.

Salvaje es preguntar qué habita en mí. La pandemia exigió indagar en el arte de la escucha el peligro y, al mismo tiempo, a buscarnos y reinventarnos volviendo a principios originarios ancestrales que nos exigió el arte del viaje renovador que reflexiona en lo más profundo del ser humano para comprender el cuerpo y el ser en su totalidad. 

Artista: Diana Casas

El silencio puede parecer una pausa en el tiempo, un tiempo de descanso, un tiempo para la respiración antes de continuar. El silencio puede parecer una ausencia de sonido, pero es tan profundo que ensordece y afecta los sentidos, la manera de moverse. Las palabras que no se dicen y los pensamientos que se encierran en la mente, pueden cobrar vida aun en el silencio. El silencio no están silencioso, es el ruido más fuerte, quizás el más fuerte de los ruidos.

Artista: Incolballet (Cali)